L’hôpital Saint-Louis de Paris a été construit au début du XVIIe siècle sur ordre d’Henri IV pour héberger des patients souffrant de maladies épidémiques, de peste, de lèpre, etc. (L’hôpital porte le nom du roi (Louis IX, « le Saint », auquel on attribuait des capacités divines de guérison.) Pour minimiser le risque de propagation de l’infection, les bâtiments ont ensuite été placés loin des quartiers centraux de Paris.

Aujourd’hui, le quartier hospitalier forme son propre îlot dans le bouillonnant 10e arrondissement, entre les gares Gare du Nord et Gare de l’Est et les bars branchés autour de la place de la République. Les bâtiments hospitaliers d’origine, élégants, abritent désormais principalement des salles administratives et de réunion, tandis que les activités cliniques sont exercées dans des extensions modernes.

Enfin, l’Hôpital Saint-Louis a développé une expertise dermatologique spécifique et, dans ce cadre, un musée unique. A travers la cour verdoyante de l’hôpital, oasis cachée dans la grande ville, un passage mène à un bâtiment séparé en brique avec une enseigne discrète au-dessus de la porte d’entrée : « Musée des moulages ».

Sylvie Dorison est responsable des collections et du musée depuis plusieurs années. Elle se retrouve dans les larges escaliers menant au deuxième étage et ouvre les portes de la salle d’exposition. L’éclairage est ici tamisé. Des rangées d’armoires en bois sombre joliment patinées avec des portes vitrées s’étendent le long des murs et le long d’une étroite mezzanine, et derrière la vitre se trouvent des mains, des pieds, des têtes entières ou à moitié, des bouches, des organes génitaux. Ampoules, plaies, décoloration, déformation.

« Certains visiteurs vivent le musée comme une chambre d’horreur, mais pour moi, il s’agit avant tout de destins humains, émouvants et souvent tragiques », explique Sylvie Dorison.

Elle souligne que l’objectif principal du musée a toujours été éducatif et scientifique. Il est ouvert au public, mais seulement après avoir organisé une visite guidée, et la vaste collection de moulages fait encore aujourd’hui office de bibliothèque scientifique dans laquelle les étudiants en médecine d’aujourd’hui étudient également l’histoire, vieille de plus de cent ans. anciennes les représentations réalistes des états pathologiques dermatologiques.

Au dos du panneau de bois sur lequel est monté le modèle en cire, le nom et la profession de la personne représentée sont partiellement indiqués. Cependant, les patients individuels restent largement anonymes, tandis que ce sont les traces visibles des plaintes qui sont préservées pour la postérité. Le diagnostic actuel est affiché plus ou moins brièvement sur une étiquette sous le modèle en cire en petits caractères, par exemple : « Palmarkératose d’origine syphilitique, la lésion se présente comme un eczéma squameux ».

Dans le cas d’une femme de 42 ans présentant un érythème sur le dos de la main, les informations de base indiquent qu’elle travaillait comme plongeuse, c’est-à-dire comme plongeuse. Une autre empreinte montre les effets de démangeaisons persistantes sur la jambe d’une femme de 26 ans : « Les lésions sont principalement causées par des démangeaisons. »

Le nom général des maladies est clairement indiqué sur des panneaux au-dessus des stands respectifs, mais le système n’est pas facile à comprendre au début. Sylvie Dorison explique qu’il a fallu un certain temps aux responsables pour décider comment trier les objets. Ce n’est qu’après de longues discussions qu’il a été décidé de simplement suivre l’ordre alphabétique du nom de la maladie en français. La même classification comprend également les nombreux dessins et aquarelles de lésions cutanées, également contenus dans la bibliothèque adjacente.

Bien en évidence dans le hall à l’extérieur de la salle d’exposition se trouve une peinture à l’huile encadrée représentant un vieil homme sérieux aux cheveux blancs avec une moustache touffue, vêtu d’un costume sous un long tablier blanc. Il est assis sur une chaise dans une pièce dotée des commodités d’un atelier d’artiste : toiles et chevalets, bouteilles de térébenthine, vue sur un piano, lourds rideaux. Ce n’est qu’en regardant le tableau de plus près que l’on voit des moulages de diverses parties du corps accrochés au mur derrière l’homme, entre les peintures de paysages à moitié terminées. Une plaque en laiton sur le cadre porte le texte : « Jules Baretta dans son atelier ».

L’homme du tableau, Jules Baretta (1834-1923), était l’artiste légendaire qui a réalisé la plupart des moulages en atelier représentés dans le tableau à partir de la fin des années 1880.

Il a longtemps gardé secrets les détails de la technologie utilisée par Baretta. Ce n’est que lorsqu’il fut plus âgé qu’il forma un successeur et partagea ses connaissances sur les méthodes de coulée, les produits chimiques et les compositions de couleurs. En bref, les empreintes ont été créées en appliquant une fine couche d’intestins d’animaux sur la section de peau à imager. Un plâtre était d’abord placé sur cette couche et laissé durcir avant d’être retiré pour servir de moule au modèle en cire lui-même, qui était finalement peint à la main. La coloration elle-même était une partie importante de l’artisanat et constitue l’un des détails qui impressionne encore les visiteurs aujourd’hui. Une partie du secret semble résider dans la méthode consistant à colorer de fines couches de cire les unes sur les autres. Cela crée une sensation de transparence et rend les modèles finis moins sensibles aux influences extérieures.

Aujourd’hui, malheureusement, il ne reste plus rien de la décoration intérieure de l’atelier de Baretta, mais quelques témoignages contemporains subsistent. Une description vivante et probablement quelque peu romancée de l’atelier et de l’artiste Baretta peut être trouvée dans le livre de reportage de Léon Roger-Milès de 1891 sur l’hôpital Saint-Louis, « La cité de misère ». Dans l’un des chapitres, Roger-Milès visite le musée avec les moulages en cire et décrit les expositions en détail avant de monter les escaliers menant au grenier et à l’atelier. Il y observe les rencontres respectueuses de Baretta avec les patients convoqués à l’atelier pour peindre leurs blessures ou leurs difformités : « Sans brutalité, avec une tendresse maternelle et une patience inébranlable, il manie ses instruments, et pendant que le plâtre sèche, il converse. » le malade, en participant à la souffrance de la personne affectée, en écoutant l’évolution des symptômes et en gagnant la confiance du patient par son attitude amicale sans la perdre.

À d’autres moments, Baretta recourt à d’autres méthodes pour distraire les patients en attendant que le plâtre durcisse : il leur montre ses photos ou joue un morceau au piano, écrit Roger-Milès : « Et les malades, ils étaient autorisé à quitter son lit pendant une heure et peut maintenant, loin de l’hôpital aux odeurs suffocantes, loin du tourment des autres patients, rêver à la vie, rêver que tout est insouciant, que la vie sourit, que ce L’artiste s’éveille Les nouvelles pensées sont une amie providentielle qui ouvre le cœur du patient à l’espérance, à l’espoir radieux d’une bonne santé.

Cependant, les moulages en cire de l’Hôpital Saint-Louis ne sont pas tout à fait uniques. Il existe ou existait des collections similaires, quoique plus petites, qui ont été créées à peu près à la même époque. ailleurs en France, en Allemagne, en Suisse, en Grèce et en Roumanie ainsi que, par exemple, à l’hôpital universitaire d’Uppsala et au Musée d’histoire médicale de Stockholm, aujourd’hui fermé. Avant l’époque de Baretta, il existait à Paris un musée « pathologique et anatomique » avec des modèles réalisés dans une sorte de papier mâché. L’idée même de tenter d’une manière ou d’une autre de produire des modèles tridimensionnels d’organes humains et d’états pathologiques est beaucoup plus ancienne, mais les méthodes de travail ont été progressivement affinées – avant que la technologie photographique ne commence à rivaliser avec les modèles en cire. Cependant, la collection de moulages de Paris est la plus importante du genre et le musée est le seul à encore être conservé dans ses locaux d’origine.

Des affiches sur les murs demandent aux visiteurs de traiter la photographie de manière restrictive par respect pour les patients anonymes et leurs survivants. Cependant, depuis quelques temps, chaque objet de la collection est photographié en haute résolution et disponible en ligne. Avant la documentation photographique, Sylvie Dorison et une collègue avaient pour mission de dépoussiérer soigneusement les milliers de tirages. Elle décrit les émotions fortes qui l’ont parfois envahie en sortant un à un les modèles des étagères derrière les vitres des vitrines, et nous montre un exemple pris dans la foule : un visage dont les lésions cutanées ont été partiellement traitées chirurgicalement, ce qui à son tour, elle a laissé de vilaines cicatrices.

– C’est ainsi que cette femme a vécu le reste de sa vie. Vivre avec ce look n’aurait pas dû être facile, songe-t-elle.

Comme la plupart du temps, c’est Sylvie Dorison qui ferme le musée et est la dernière à repartir.

Se sent-elle mal à l’aise lorsqu’elle passe seule le soir devant les vitrines illuminées ?

– Parfois, je ressens une sorte de présence d’âme des patients décédés et j’éprouve souvent une grande pitié pour eux. Mais aucune gêne, assure-t-elle.