Si l’année dernière était l’année des mères, les enfants d’aujourd’hui sont le fil conducteur de la Mostra de Venise, vieille de 90 ans, une fête publique née à l’époque fasciste mais qui valorise aujourd’hui la démocratie et la liberté de l’art.

L’infatigable président Zelenskyy a donné le ton lorsqu’il a profité de l’occasion pour prononcer l’un de ses nombreux discours numériques entraînants lors de l’ouverture du festival de cette année, qui s’est terminé par le cri des noms de centaines d’enfants, comme le générique de fin d’un film, qui ont perdu la vie dans la guerre d’agression de la Russie contre l’Ukraine, défilent à l’écran.

Le film enfants du festival ne sont pas menacés par les attaques de missiles russes, mais sont souvent dans la ligne de mire des choix de vie plus ou moins égocentriques et des montagnes russes émotionnelles de leurs parents. L’un des meilleurs films pour enfants de l’année est de loin « Les enfants des autres » de la réalisatrice française Rebecca Zlotowski.

Virginie Efira – la seule qui menace vraiment Cate Blanchett (« Tár ») dans la lutte pour le prix de la meilleure actrice de cette année – joue le professeur de lycée Rachel, qui commence à rêver d’avoir un enfant à elle lorsqu’elle rencontre le designer automobile divorcé Ali (Rochdi Zem). Cependant, Ali a déjà une petite fille avec son ex-femme (Chiara Mastroianni), qui vient de sortir du tableau. De plus, parce que Frederick Wiseman, légende du documentaire de 92 ans, joue le gynécologue rusé. « Les enfants des autres » ne fait pas de grands gestes dramatiques, mais trouve une histoire rarement racontée et touchante sur le désir d’avoir des enfants autour de la quarantaine et le rôle souvent ingrat du parent bonus. Un rôle qui signifie souvent beaucoup d’amour et d’obligations, comme dans le cas de Rachel, mais peu de droits.

Le film se déroule sur une année au cours de laquelle la relation du couple est mise à l’épreuve. Un récit de film élégant et intimiste, presque classique, est combiné avec une perspective enfantine chaleureuse. Aucun petit problème existentiel n’est abordé, mais Zlotowski a une telle fluidité fantastique à la fois dans son style et son sujet – tout à l’écran semble simple, évident et proche.

Dans un monde plus bourgeois où l’Orchestre philharmonique de Berlin occupe le devant de la scène, le drame intelligent et formidablement bien joué « Tár » de Todd Field se déplace, qui est également l’un des points forts du festival. « La seule chose dans votre vie qui n’est pas le résultat d’une transaction, c’est de dormir dedans », déclare le violon solo de Nina Hoss dans une réplique cinglante à sa femme, la chef d’orchestre vedette (Blanchett). Leur fille adoptive Petra, qui dort dans sa chambre dans l’appartement de luxe dépouillé du couple à Berlin, symbolise peut-être la zone libre où le personnage principal, Lydia Tár, peut être une personne à part entière. Cependant, son ego, son désir et sa soif de pouvoir l’éloignent de la chambre de sa fille. « Tár » est aussi une histoire qui semble nouvelle et libératrice, une représentation particulièrement puissante du prix qu’une mère paie pour sa carrière et sa créativité.

Les enfants du divorce apparaissent dans leurs personnages à part entière dans deux drames très différents, tous deux basés sur des pièces de théâtre. Le drame théâtral mais poignant de Darren Aronofsky, The Whale, est centré sur un père en surpoids grave qui est aussi enfermé dans sa prison physique que dans son salon. Sa seule motivation dans la vie est d’être proche de sa jeune fille adolescente, dont il a perdu la garde il y a longtemps. Brendan Fraser, le comeback le plus commenté de l’année, porte le corps énorme avec une grâce poignante et rare.

Un spectacle difficile à manquer, bien sûr, mais c’est l’interaction entre lui et l’actrice de Stranger Things, Sadie Sink, qui donne au film un sens. C’est le regard de la fille sur le père qui élève La Baleine de légèrement spéculatif à quelque chose de profondément humaniste. Quand la fille grésille « Tu me dégoûtes ! » il ne s’agit pas du corps gonflé de son père, mais de son sentiment d’être abandonnée par lui.

Le dramaturge français Florian Zeller, d’autre part, dans « The Whale » suit son oscarisé « The Father » avec un drame de divorce bourgeois loin du salon désordonné et malodorant. Mais comme Aronofsky, il utilise la culpabilité comme moteur. Hugh Jackman joue un avocat de Manhattan qui a quitté son ex-femme (Laura Dern) et son fils adolescent pour repartir à neuf avec une nouvelle jeune femme et un bébé dans une tanière chic de New York.

Le bonheur de la famille est troublé par le fait que le fils de son premier mariage ne va soudainement plus à l’école et il va de mal en pis. Comme le prédécesseur de Zeller, « The Son », qui concourt également pour un Lion d’or à Venise, est basé sur sa propre pièce sur les parents coupables et les enfants malades mentaux. L’impuissance et l’incapacité des parents, ainsi que de la mère en prime, à vraiment accepter que sa vie confortable devra radicalement changer pour tenter de sauver son fils sont bien décrites. Cependant, le programmatique et assez prévisible « The Son » manque malheureusement de la subtilité et de la mise en scène psychologiquement stimulante qui ont fait de « The Father » un chef-d’œuvre.

La réalisatrice britannique « The Souvenir » Joanna Hogg, quant à elle, souhaite explorer la relation entre une femme d’âge moyen et sa mère âgée dans l’actualité du festival « The Eternal Daughter ». La fille est cinéaste – vous comprenez que, comme ses films précédents, c’est personnel – et s’émeut de savoir à quel point on sait peu de choses sur les secrets, les peines et les douleurs de ses parents. Bien sûr, la géniale Tilda Swinton promet de belles choses dans un double rôle. Un grand sujet que Hogg perd malheureusement dans un timide mélange d’histoire de fantômes et de drame relationnel se déroulant dans un hôtel brumeux, gris et abandonné qui était autrefois la maison d’enfance de sa mère.

Les enfants sont aussi au centre dans les deux adaptations littéraires très discutées du festival de classiques américains contemporains comme « White Noise » (Don DeLillo) et la brique « Blonde » (Joyce Carol Oates). Comédie noire ou tragédie noire ? Le choix n’est pas si difficile ici. Bien que solidement ancré dans les années 80, le film de Noah Baumbach est étonnamment moderne dans sa description de la grande famille bonus désordonnée qui se retrouve en crise lorsqu’un nuage toxique sème l’agitation dans leur ville natale. Une interprétation DeLillo bienveillante, profondément fidèle, pleine d’un laconicisme précis et enrichie d’innombrables références cinématographiques. Pas la chose la plus pointue que Baumbach ait faite, mais adorable et merveilleusement détendu, il célèbre l’amour familial, auquel tout le monde se joint, peu importe qui dans le groupe d’enfants est le père ou la mère de qui.

L’interprétation d’Andrew Dominik de « Blonde » est également proche de l’original. Peut-être trop près ? « Blonde » met en scène les thèses de Joyce, avec toute la clarté qu’on pourrait souhaiter, que Norma Jeane Baker/Marilyn Monroe n’a jamais pu se libérer de son enfant intérieur traumatisé et poser des limites, et que tous les hommes qui sont entrés en contact avec elle ont utilisé eux pour leurs propres besoins. Ana de Armas ne fait pas mauvaise figure dans le rôle principal, ce n’est pas de sa faute si le travail d’Andrew Dominik Joyce ne continue pas, mais s’enlise dans une représentation statique et étrangement lubrique de la victime.

Le deuxième grand film français du festival, « Athéna », malgré l’alarmisme et la jeune génération, est beaucoup plus édifiante. Il atterrit comme un coup de pied au creux de l’estomac et attaque avec la chaleur intense d’un cocktail Molotov. Le réalisateur Romain Gavras s’est fait aider de son acolyte Les misérables Ladj Ly pour écrire un film sur une Confrérie blessée contre la caisse d’une banlieue en feu. Considérez une suite à la représentation frénétique de Ly en 2019 de la brutalité policière.

L’incroyable scène d’ouverture de 11 minutes, qui donne l’impression d’une méga-longue prise, commence dans un commissariat attaqué et se termine dans la banlieue fictive d’Athéna (tournée à Évry-Courcouronnes en région parisienne) qui vire à la guerre zone pour les enfants et les adolescents locaux construisent des barricades et traversent la zone.

Tous déclenchés par le garçon Idir battu à mort par trois hommes en uniforme de police. Les frères aînés du garçon mort se retrouvent sur les côtés opposés de la ligne de bataille. L’un est un chef rebelle charismatique à la Che Guevara (le nouveau venu Sami Slimane a une aura magique) qui demande justice, et l’autre un policier décoré (Dali Benssalah de No Time To Die) qui veut laisser la loi suivre son cours.

Épinglant complètement le public dans ses sièges, Gavras a des tragédies grecques classiques dans son ADN, tandis que l’armure complète des flics qui chargent donne la sensation d’une armure de chevalier médiéval. « Athéna » dégage quelque chose d’intemporel – c’est l’enfant mal-aimée du symbole national français Marianne, qui ne peut plus être contenue – mais en même temps transmet un sentiment brûlant de l’ici et maintenant, de la puissance imparable des soulèvements populaires qui apporter l’enfer au pouvoir répressif mondial de la société. Ce n’est pas pour rien que les écrans de télévision laissent entendre que la rébellion du film s’étend à d’autres régions de France. Au milieu de toute sa grande opératicness, « Athena » dit quelque chose de poignant que la guerre peut sembler différente, mais que ce sont les enfants, l’avenir, qui doivent payer le prix ultime.

Certains de ces films, notamment « Tár », sont bien placés pour le gala de clôture de samedi soir, où le Lion d’or sera récompensé par de multiples récompenses, du moins à en juger par l’accueil des critiques. Il en va de même pour le phat road movie de Luca Guadagnino, Bones and All, et la merveilleuse comédie noire de Martin McDonagh, The Banshees of Inisherin, qui voit Colin Farrell et Brendan Gleeson briller dans une histoire aérée et très irlandaise d’une amitié masculine troublée sur une île déserte. Un enjeu élevé acclamé par la critique est le documentaire de Laura Poitra Toute la beauté et l’effusion de sang, mettant en vedette l’artiste Nan Goldin en tant que chef de file de la guerre contre la famille Sackler, vendeuse d’opioïdes, qui tentait de blanchir leur mauvaise réputation avec l’argent du sang pour l’art. Un film grésillant d’engagement, à l’argumentaire fort, où art et politique se marient.

Continuer la lecture:

Noah Baumbach a ouvert le festival avec le film satirique de Don DeLillo « White Noise.

Lars von Trier parle de la joie d’écrire « Riket Exodus »

Timothée Chalamet : « C’est dur de vivre l’instant présent »

Le grand retour de Brendan Fraser dans The Whale

Harry Styles visite Venise avec le provocateur « Don’t Worry Darling »

Le rappeur Silvana Imam fait ses débuts d’acteur dans le drame sombre sur la traite des êtres humains Dogborn