ESSAI : Il s’agit d’un texte dans lequel l’auteur réfléchit sur un sujet ou une œuvre. Les opinions exprimées sont celles de l’auteur.

Regarder un tableau, c’est regarder la mort : des choses mortes, des scènes mortes. Cela se voit particulièrement clairement dans le genre de la nature morte, qui s’est développé de manière indépendante au XVIe siècle et a émergé aux côtés de la peinture d’histoire, plus respectée. Parmi les prunes flottantes et les vases soigneusement disposés, on la trouve sous forme de pourriture, de mouches et de taches sombres. La mort apparaît comme une invitée secrète dans le faste de la mise en scène.

Un sous-genre entier de la nature morte, VANITAS, est dédié à cette tâche : nous rappeler notre éphémère. Rejet du monde matériel. Un trou de ver rappelle une pourriture imminente, un crâne ou un pétale flétri descendant de la tige et figé à jamais dans ce mouvement sert d’appel dans ce cas. Tout ce qui est solide doit s’évaporer. « Vide, vide noble, dit le prédicateur ».

Peut-être que tu peux appeler Il s’agit d’une peinture de choses doublement mortes – mortes comme dans les représentations du non-humain, mortes comme dans un rappel de ce qui est sur le point d’arriver au spectateur. Bien que le tableau manque de sujets humains, c’est l’absence elle-même qui évoque l’humanité ; Les compositions sont toutes de sublimes démonstrations de l’habileté de la main humaine.

Mais il ne s’agit pas uniquement d’objets créés à la main. Dans son livre « La Poésie des choses. « La vie et la mort dans les natures mortes européennes 1600-1900 » rappelle au professeur Görel Cavalli-Björkman la proximité entre l’image et le mot, la peinture et le poème.

Parfois comme un texte inséré directement dans le tableau, parfois dans le langage du tableau lui-même, mais toujours comme une parenté, comme une fécondation croisée constante : « Les natures mortes ressemblent à des poèmes dans lesquels le peintre, avec ses arrangements soignés, veut refléter de nombreuses nuances de réalité »[i] écrit Cavalli-Björkman.

Mais si la peinture peut être de la poésie, peut-être que la poésie peut être une peinture de vanité ?

Dans le recueil de poèmes de Judith Kiro « Le rouge est l’illimité », les fruits pourris et les pétales fanés reviennent. Kiros écrit :

« L’intérieur d’un abricot contre l’intérieur lisse de la joue // La mort a tant défait. » Le flux mort sur le pont et l’eau en dessous est une veine ou un ruisseau stygien.

La peinture de natures mortes était un phénomène géographiquement répandu, mais si vous l’associez à un seul endroit, ce sont bien les Pays-Bas. La particularité de ce tableau se caractérise par son lien étroit avec la nouvelle connaissance naturelle de l’époque, la vision, la théorie de la perspective et la création du microcabinet. Dans son ouvrage révolutionnaire « L’art de décrire. L’art hollandais au XVIIe siècle » classe l’art hollandais de Svetlana Alper comme un art de description ; conformément à la méthodologie scientifique de l’époque.

Peut-être que cette forme de peinture édifiante peut être comparée au texte, à la documentation ?

Et cette façon de documenter, d’évaluer, de mesurer et de classer n’est pas si proche de la mort. Si incroyablement proche parce que son acte de résistance ne fait que confirmer son impuissance ?

Tout comme la personne en deuil qui fait tout ce qu’elle peut pour capturer ses souvenirs, pour ensuite découvrir que peu importe vos efforts, l’être cher commence lentement à disparaître et les détails glissent entre vos doigts comme de l’eau. Ou éclater comme la pulpe d’un abricot.

Peinture hollandaise du XVIIe siècle Ce n’est pas seulement une question de mort, c’est aussi une question d’économie. Selon le professeur d’art Norman Bryson, le genre des natures mortes dans son ensemble est avant tout une question d’abondance et d’économie. À cette époque, le pays était rapidement devenu l’un des plus riches au monde grâce à la conquête coloniale et au commerce, mais contrairement à la France ou à la Grande-Bretagne, par exemple, il n’existait aucune institution claire, telle qu’un tribunal, pour laquelle cette richesse pouvait être dépensée. . La maison est donc devenue le lieu naturel dans lequel cette richesse était consommée, et les visiteurs néerlandais sont décrits par les visiteurs étrangers comme extrêmement opulents. La peinture de natures mortes occupe ici une double position ; à la fois comme témoin de l’abondance et comme corps de jugement. Bryson écrit que l’évolution des conditions économiques a été plus rapide que la morale : Dans les tableaux de vanité, les artistes continuent de mettre en garde contre la vanité de la vie terrestre.

Mais Cavalli-Björkman rappelle au lecteur qu’il existe des risques à surinterpréter le sens ou les intentions de l’artiste. Au contraire, la nature morte parle au spectateur ; elle prend possession de nous en tant que spectateurs. Regarder une nature morte, c’est donner du temps. Et plus vous donnez de temps, plus la peinture vous rend.

Norman Bryson ne se soucie pas de cette mise en garde. Il le présente comme une peinture contre nature, à contre-courant des saisons ; Des plantes de différentes saisons, climats de croissance et origines se réunissent ici. Ce qu’il célèbre, il le crée. C’est un tableau qui met en valeur le travail : le travail humain.

Dans cette peinture précapitaliste, écrit Bryson, l’économie est présente à trois niveaux :

D’abord dans les environnements luxuriants et les objets représentés. Où les fleurs viennent du monde extérieur au lieu d’humbles fleurs des prés, où la tulipe et la fièvre des tulipes occupent une place particulière. Les bouquets ne sont pas seulement un type de fleurs, mais plutôt une multitude de types différents. Cela explique pourquoi les espèces se répètent rarement dans un bouquet : cela n’ajouterait tout simplement pas de nouvelle valeur. C’est la richesse, l’abondance, qui est précieuse.

Et à une époque où la richesse s’est installée, l’homme est séparé des régulations les plus élémentaires : la faim, l’appétit. Au lieu de cela, l’abondance est célébrée, l’opulence elle-même.

Mais l’engin lui-même est une preuve d’argent. Dans le tableau de la vanité, ce conflit est exacerbé : comment peut-on renoncer aux choses du monde à travers quelque chose d’aussi banal qu’une peinture ? Un tableau qui était également conçu pour être accroché dans la maison d’une personne riche ? Dès leur création, on raconte combien d’argent ces natures mortes ont pu rapporter. Comment le groupe de clients était composé de princes, de princes et d’autres personnes extrêmement riches.

Dans le recueil de poèmes de Judith Kiro, la question de la religion et de la morale va aussi de pair avec la mort et des prémisses économiques extrêmement banales ; Ainsi, le fonds d’assurance coïncide avec des visions divines, un trajet en taxi coûteux dans le psychisme aux côtés du service client de Comviq. Les hallucinations célestes ne sont jamais complètement détachées du monde et des conditions matérielles : les guerres, le capitalisme, les réfugiés morts.

Elle écrit : « La brûlure de la peau d’abricot sur ma langue me fait frissonner // Qu’y a-t-il de plus inutile qu’un communiste lugubre ?

Quelle est sa particularité La peinture hollandaise n’est peut-être pas la mort, que l’on retrouve ou ressent dans toutes les natures mortes, mais comment l’œuvre ici fonctionne comme une sorte de tentative de la défaire : comment l’œuvre reste longtemps après tout ce qui a contribué à la peinture : les objets, ils se tenaient là comme modèles, les fabricants de toiles et de peintures, le peintre lui-même, tombé depuis longtemps en ruine. Ce qui reste, ce sont d’énormes heures de travail, un travail pédant, les traces survivantes d’une culture entièrement créée par l’homme.

Kiros écrit : « Contre nature – la dissolution de la chair de l’abricot – malheureusement, mes yeux se sont ouverts. » Dans la nature morte hollandaise, la mort ne semble pas se dissoudre, mais c’est plutôt comme si on la nommait, qu’on lui criait dessus, qu’on l’invitait à travers l’œuvre. Comme s’ils croyaient que le travail pouvait nous libérer.

Valerie Kyeyune Backström, écrivaine culturelle et auteure

littérature

Görel Cavalli-Björkman : La poésie des choses – la vie et la mort dans la nature morte européenne 1600-1900. Votez les éditeurs, 2023.

Svetlana Alpers : L’art de décrire – L’art hollandais au XVIIe siècle. Université de Chicago, 1983.

Norman Bryson : Regard sur les négligés – Quatre essais sur la nature morte. Livres de réaction, 1990.